Editorial de rentrée

La rentrée est à peine arrivée que la météo d’automne est là – ciel gris, petite brise, la température a chuté, à la fois un soulagement après ces quelques semaines de canicule et un rappel amer qu’il faut se remettre au travail. Pour certain-es, cela veut dire prendre des décisions importantes pour la suite : tel est le cas de Quentin Petit Dit Duhal, l’un des co-fondateurs du Collectif ARQ, qui nous a quitté pour poursuivre ses travaux. Nous le remercions pour ses initiatives, pour le lancement du collectif et pour le chemin qu’il nous permet de prendre aujourd’hui – et nous lui souhaitons tout le meilleur pour la suite.

“Se remettre au travail” : d’autres ne se sont pas arrêtés, n’ayant pas eu ce luxe. L’une de ces personnes est Mharion Cazaux, co-fondatrice de l’ARQ. Cet été, Mharion a réalisé cinq reels sur Instragram, 90 secondes de culture. Dans l’ordre, elle nous parle du prix unique du livre, du 1% artistique, de l’argent et des musées (les musées sont-ils trop chers ? d’où viennent leurs financements ? démocratisation et financements privés peuvent-ils s’accorder? quels musées proposent des gratuités et comment ?). Cinq courtes vidéos, quatre-vingt-dix secondes seulement, pour comprendre un petit mieux le fonctionnement de la culture en France.

Jenna Gribbon, Night Swimming Wrestlers, 2018

Une autre de ces personnes est Pauline Larrieu, membre de l’ARQ depuis un an, que vous pouvez retrouver sur Instagram sous le nom paniqueaumusee. Vous y trouverez une série de reels dans lesquels elle nous parle des archives LGBT+ – son sujet fétiche – et d’art queer. Elle nous en parle à travers des œuvres, comme Lineage Matchmaking de E. G. Crichton. Durant sa résidence à la Gay Lesbian Bisexual Transgender Historical Society de San Francisco, Crichton a commencé un projet mêlant archives et nouvelles créations, passé et futur : associer une boîte d’archives ayant appartenu à une personne disparue à un-e artiste actuel-le qui devra “répondre” à la boîte qui lui a été attibuée. L’ensemble des œuvres réponses ont été exposées en 2009 sous le titre Lineage : Matchmaking in the archive. Pauline nous explique que lineage tient “pour lignée, car il était important pour Crichton que son projet crée des liens entre passé et présent”, et que l’idée de matchmaking tient de l’idée d’un “blind date : un rendez-vous amoureux entre deux personnes qui ignorent tout l’une de l’autre”. Dans un second reel, Pauline nous présente le lineage matchmaking de Maya Manvi et Dodi Horvat (auteur-ice de science-fiction), à découvrir sur son Instagram. Cet été, Pauline a également commencé une série intitulée “Le pinceau en feu”, dans laquelle elle partage “des analyses d’oeuvres pour décrypter l’art contemporain” – plus précisément, des peintures figuratives queer. Un premier épisode est sorti sur Night Swimming Wrestlers (2018) de Jenna Gribbon, que nous vous invitons à découvrir, sur Instagram ou sur le blog de Pauline. La série continuera dans l’année dans un rythme aléatoire, selon les disponibilités de son autrice.

Cet été, Mharion et Pauline ont également participé à l’université d’été de la Bibliothèque Kandinsky, dont le thème cette année était “‘Draguer’ le musée et ses sources : la queerness face aux archives”. Mharion a ouvert le riche programme en parlant de sa méthodologie, comment travailler avec des archives inexistantes et comment les créer pour éviter une répétition du manque des archives LGBT+, les difficultés d’archiver l’inarchivable – les performances, les contenus numériques -, puis de son travail de commissaire sur ses expositions, telles que We’re here, we’re queer (2020) et Queer : entre esthétique et politique (2022). Initialement membre du public, Pauline a été invitée à présenter ses recherches sur la notion “neuroqueer” pour expliciter son statut de “chercheuse empêchée” – comment faire de la recherche autrement ? Leurs participations seront disponibles dans une publication de la Bibliothèque Kandinsky à venir.

Jean-Baptiste Carhaix, « Sister Sadie the Rabbi Lady » (1983). © Jean-Baptiste Carhaix, Courtesy Galerie Vrais Rêves, Lyon Photo : © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bibliothèque Kandinsky/Dist. RMN-GP

En attendant, jusqu’au 23 novembre vous pouvez voir l’exposition Over the Rainbow au Centre Pompidou, qui présente près de cinq cents oeuvres – photographies, peintures, films, archives – issues des collections du musée des artistes qui “ont contribué à transformer la représentation des sexualités dites “minoritaires” et ont participé aux luttes menées par les communautaires LGBTQIA+ pour la renaissance de leurs droits.” Une exposition importante, lourde en émotions mais importante à voir malgré ses lacunes – on regrette encore l’absence d’une histoire des lesbiennes.

Du côté des activités de l’ARQ, vous n’aurez pas manqué de constater que ces dernières se sont diminuées ces derniers mois. L’occasion de rappeler que tous-tes les membres du collectif sont bénévoles. Les activités sur le carnet et les réseaux sont toutes réalisées en parallèle de nos propres travaux – alimentaires, universitaires, personnels -, ce qui explique la lenteur de certains projets. Nous sommes néanmoins fier-es de vous annoncer la parution prochaine du premier fanzine de l’ARQ, dans lequel vous retrouverez les créations de certain-es membres qui vous partagent leurs parcours, et de collaborateur-trices extérieur-es qui ont eu l’amabilité de se prêter au jeu.Les articles du carnet reprendront à compter de la mi-octobre : bientôt des critiques d’expositions et de lectures. Nous rappelons qu’il est possible à des non-membres du collectif de proposer des articles, qui seront publiés dans la section “invité-es” ; nous nous ferions une joie de vous lire et de vous publier.

Pour conclure cet édito de rentrée, nous avons l’honneur de vous annoncer l’ouverture de la campagne de recrutement dans le Collectif ARQ ! Cet appel est ouvert aux masterant-es, doctorant-es, jeunes docteur-es, étudiant-es en école d’art et jeunes artistes. Nous rappelons que le collectif est en non-mixité LGBTI+. Vous pouvez retrouver la charte d’adhésion sur le carnet du collectif. Si vous êtes intéressé-es, vous pouvez envoyer un CV et une courte présentation (bio et raisons pour lesquelles vous voulez nous rejoindre) à l’adresse suivante : collectif-arq@outlook.com .

Au plaisir de vous retrouver prochainement et bon courage à toustes pour la rentrée !

Abel Delattre

Sauveurs et bourreaux : de la victimisation des artistes femmes dans les discours actuels, l’exemple d’Artemisia Gentileschi.

Fig. 1 : Artemisia Gentileschi, Autoportrait, c. 1637, huile sur toile,
98 x 74,5 cm, Palais Barberini, Galerie Nationale d’art antique, Rome.

Le 23 avril 2023, à l’INHA, se tenait l’intervention de Coraline Refort “Alice Guy au prisme du genre : enjeux, difficultés, méthodologies”1. Lors de cette séance j’ai reconnu plusieurs processus et méthodes appliquées à Alice Guy comme à l’artiste renaissante Artemisia Gentileschi. Parmi eux se retrouvent la volonté de faire sortir des artistes femmes de l’oubli (relatif bien souvent) et de leur rendre justice en les remettant sur le devant de la scène, en légitimant leurs pratiques et en affinant leurs attributions afin de constituer une fiche et un corpus digne de figurer dans le canon de leurs disciplines respectives.

Cependant cette mise en valeur se fait au moyen d’un discours difficilement neutre qui oscille bien souvent entre sexualisation, sensationnalisme et fantasme. De fait, les artistes femmes sont souvent présentées comme des victimes : de l’oubli, des archives, d’un ou plusieurs hommes de leur vie, des torts à redresser par les travaux de recherche, les expositions, les œuvres actuelles. Néanmoins, les différents discours, par les choix de leurs auteurs et autrices, tendent à accentuer certains aspects, certains thèmes dans les trajectoires d’artistes qui, en plus de participer à une narration sur leur sujet, perpétue des réflexes de prise de point de vue hors des bornes de l’histoire de l’art, dans la société occidentale en général.

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  1. L’intervention n’étant malheureusement pas en ligne, Coraline Refort partage toutefois quelques-unes de ses travaux sur le sujet dans sa présentation pour l’ARQ : “Les débuts d’Alic Guy au cinéma, la restauration d’une histoire (1896-1907)”, publié le 13 février 2023. En ligne : https://arqueer.hypotheses.org/1825 []

Les débuts d’Alice Guy au cinéma, la restauration d’une histoire (1896-1907)

Présentation des recherches de Coraline Refort, doctorante en Histoire du cinéma, Université de Florence et Université La Sorbonne Nouvelle.

Alice Guy en 1896.

Je suis Coraline Refort, membre du collectif ARQ depuis l’automne 2022 et doctorante en troisième année en Histoire du Cinéma en Italie et en France. Comme tout le monde n’est pas forcément familier avec les recherches cinématographiques, j’aimerais vous présenter mon parcours et ma thèse.

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Des femmes et des archives : “Parisiennes citoyennes !” et “Femmes photographes de guerre”

« Faut-il (encore) des expositions 100% “artistes femmes”1 ? » ue nous le voulions où non, plusieurs expositions « artistes femmes » ont été montrées en 2022, quelques-unes collectives (comme Pionnières : artistes dans le Paris des années folles au Musée du Luxembourg), beaucoup monographiques (pour n’en citer que deux : Alice Neel : un regard engagé au Centre Pompidou, Toyen : l’écart absolu au Musée d’art moderne de la ville de Paris)2. Quoiqu’on pense de la multitude des expositions sur les (artistes) femmes, on ne peut nier qu’elles ont une certaine importance : elles participent à la constitution d’un matrimoine3.

Dans cet article, nous proposons de nous pencher sur deux expositions en particulier : Parisiennes citoyennes ! et Femmes photographes de guerre, respectivement au Musée Carnavalet et au Musée de la Libération Leclerc Moulin. Toutes les deux sont des expositions collectives : la première présente un nombre incomptable de « figures incontournables, d’Olympe de Gouges à Gisèle Halimi4 », l’autre un nombre plus abordable de huit noms (qui sont : Lee Miller, Gerda Taro, Catherine Leroy, Christine Spengler, Françoise Demulder, Susan Meiselas, Carolyn Cole et Anja Niedringhaus). Ces deux expositions sortent aussi du lot par ce qu’elles proposent. En effet, ce ne sont pas des expositions d’art. La première propose « une synthèse inédite sur l’histoire et la mémoire des luttes pour l’émancipation des femmes en se concentrant sur l’histoire des féminismes à Paris5. » La seconde s’intéresse plus largement, par l’exemple de ces huit photographes, de leurs carrières et de leurs photographies, au travail de la photographe de guerre. Ces deux expositions présentent des images que l’on peut qualifier d’œuvres d’art. Dans Parisiennes citoyennes !, « [p]eintures, sculptures, photographies, films » côtoient « archives, affiches, manuscrits et autres objets militants voire insolites »6 ; dans Femmes photographes de guerre, les photographies ne nous sont pas présentées comme des œuvres d’art, mais comme des documents, recontextualisés soit par les textes des cartels, soit par la confrontation avec la presse de l’époque.

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  1. Question posée à la conférence du même nom organisée par SITEM le 30 juin 2022 ; avec les interventions d’Eva Belgherbi, Julie Botte, Raphaël Martin Pigalle, Linda Hinners et Nathalie Ernoult, et Marine Vazzoler à la modération. La conférence est disponible en ligne : https://www.sitem.fr/conferences/expositions-femmes-artistes/ []
  2. L’auteur de l’article aimerait s’excuser des exemples exclusivement parisiens donnés. Vivant lui-même à Paris, il lui est difficile de se tenir au courant et de se souvenir des expositions organisées ailleurs, encore plus de s’y déplacer et de les voir. []
  3. « Le Matrimoine est constitué de la mémoire des créatrices du passé et de la transmission de leurs œuvres. L’égalité entre femmes et hommes nécessite une valorisation de l’héritage des femmes. » Définition donnée par HF Île-de-France. En ligne : https://www.lematrimoine.fr/ []
  4. « Communiqué de presse », du Dossier de presse de Parisiennes citoyennes !, Musée Carnavalet, 2022, p.4. En ligne : https://www.carnavalet.paris.fr/sites/default/files/2022-10/dp-parisiennescitoyennes.pdf []
  5. Idem. []
  6. Ibidem, p.5. []

Habibi : une exposition historique

Il existe peu d’expositions dont on ressort profondément marqué·e, auxquelles on pensera pendant des années : une dizaine d’années à arpenter les musées et les galeries et « Habibi, les révolutions de l’amour » entre directement dans mon top 5. Ce sont des œuvres, des thématiques auxquelles on est peu confronté·e, qui nous sortent de notre horizon d’attente habituel. Les travaux présentés sont chargés en émotion et en histoire à la fois personnelle et collective ; on ne peut qu’être touché·e.

Du 27 septembre au 19 février 2023, l’Institut du Monde Arabe présente l’exposition « Habibi, les révolutions de l’amour » ; commissionnée par Elodie Bouffard (responsable des collections), Khalid Abdel-Hadi (directeur général de My Kali Magazine) et Nadia Majdoub (commissaire associée). Sur 750m² l’objectif affiché est de présenter des œuvres récentes alliant amours LGBT+ hors de l’espace dominant occidental. La problématique de l’exposition est la suivante :

« Comment les identités sexuelles et de genre sont-elles représentées dans la création contemporaine ? Comment circulent-elles ? Quelles stratégies esthétiques déploient-elles pour décrire et confronter les sociétés ? Photographie, peinture, vidéo, performance, littérature, animation… : la parole aux artistes, et à leur récit singulier qui dessine leurs doutes et leurs fragilités1. »

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  1. Citation à retrouver sur le site de l’Institut du monde arabe : https://www.imarabe.org/fr/expositions/habibi-les-revolutions-de-l-amour []

Ce que disent les actions écologistes dans les musées sur notre regard

Ou le musée comme espace de lutte et d’action écologique.

“Is art worth more than life ? More than food ? More than justice ?” Photo et tweet de Just Stop Oil, 14 octobre 2022.

Les récentes actions militantes écologistes dans des musées en Grande-Bretagne, en France1 et en Allemagne constituent des images dérangeantes2, en ce qu’elles s’attaquent à la culture et à l’institution de manière matérielle et rhétorique : « L’art vaut-il plus que la vie ? Plus que la nourriture ? Plus que la justice ? »3 tweet Just Stop Oil. Si elles génèrent des confusions entre défenseur·euse·s du patrimoine, militant·e·s écologistes et personnalités politiques, il nous importe peu ici de savoir si elles sont un bon moyen, ou pas, de faire porter un message ou si elles décrédibilisent les luttes écologistes ou non. L’aspect vandale ou iconoclaste n’est à reléguer qu’à un moyen de s’adresser au public et aux médias. Par ailleurs, l’objet-cible – une œuvre d’art – peut nous amener à nous interroger sur le musée comme espace de lutte politique et d’action écologiste. L’art et les musées sont-ils encore pertinents dans la crise climatique ? Quelle place leur donner dans les luttes écologistes ? Si l’art est capable de proposer de nouvelles possibilités environnementales4, comment peut-il faire apparaître une exigence écologiste dans les expositions et les musées ? Je postule que, dans les musées, ces actions militantes peuvent être capables de métanoïa, c’est-à-dire de transformation mentale, qui nous permet d’abandonner notre regard adapté au régime capitaliste patriarcal et colonial, qui vulnérabilise en premier lieu les populations précaires5.

Il s’agit ici de problématiser, de faire de l’écologie un concept à partir duquel il serait possible de penser le monde de l’art : est-ce que ces actions militantes peuvent être intéressantes du point de vue du musée en tant qu’espace savant ?

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  1. Ces actions rappellent celles de 2017 du collectif « Libérons le Louvre » de l’ONG 350.org contre le partenariat du musée parisien avec TotalEnergies. []
  2. Voir l’analyse de la sociologue Anne Bessette et de l’historienne de l’art Juliette Bessette : « De l’activisme écologiste dans les musées », AOC, 2022 : https://aoc.media/analyse/2022/11/20/de-lactivisme-ecologiste-dans-les-musees/ (consulté le 21/11/2022). []
  3. “Is art worth more than life? More than food? More than justice?”, voir sur Twitter : https://twitter.com/JustStop_Oil/status/1580869474064175105 (consulté le 17/10/2022). []
  4. Ce n’est pas le lieu ici de faire une historiographie de l’art écologique, mais sur ce point, voir par exemple : Ardenne, Paul, Un art écologique : création plasticienne et anthropocène, Lormont, le Bord de l’eau, 2018. []
  5. Nixon, Rob, Slow violence and the environmentalism of the poor, Cambridge, Harvard University Press, 2011. []

Pour une critique de “Pour une esthétique de l’émancipation” d’Isabelle Alfonsi – 2/2

Isabelle Alfonsi

À l’occasion du séminaire “Art contemporain (XXe-XXIe siècle) : politique d’écriture” de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne différents textes considérés comme fondateurs des études de genre ont été étudiés et parmi eux Pour une esthétique de l’émancipation d’Isabelle Alfonsi que nous avons étudié à deux et dont je vous présente aujourd’hui mes réflexions.

En raison de la longueur de la réflexion, l’article a été scindé en deux parties ; vous pouvez retrouver la première partie ici.

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Pour une critique de “Pour une esthétique de l’émancipation” d’Isabelle Alfonsi – 1/2

Isabelle Alfonsi, Pour une esthétique de l’émancipation, Éditions B42, 2019.

À l’occasion du séminaire “Art contemporain (XXe-XXIe siècle) : politique d’écriture” de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne différents textes considérés comme fondateurs des études de genre ont été étudiés et parmi eux Pour une esthétique de l’émancipation d’Isabelle Alfonsi que nous avons étudié à deux et dont je vous présente aujourd’hui mes réflexions.

En raison de la longueur de la réflexion, l’article a été scindé en deux parties. Vous pouvez retrouver un lien vers la seconde partie à la fin de celui-ci.

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Queering Brussels, apprendre à porter un regard queer sur l’architecture

Peu d’expositions ont eu lieu au sujet d’une approche queer de l’architecture, alors que la recherche sur le sujet se fait depuis les années 1990 et qu’elle continue encore aujourd’hui. En témoignent des thèses et mémoires récents : Queer(ing) architecture : De l’espace queer à la queerisation de l’espace (Mahé Cordier-Jouanne, 2019), Théories queer et architecture : (Re)lecture et queerisation d’un espace domestique (Romain Jamoulle, 2022) ou encore Closet architecture : Reflections on the queer domestic interior (Zach Ropel Morski, 2022) sont autant de titres qui ouvrent des perspectives nouvelles sur l’architecture et le design d’intérieur.

Conscient du manque de diffusion des savoirs dans ce domaine, le collectif Architecture qui dégenre a proposé une exposition aux Halles Saint-Géry de Bruxelles, dans le cadre des journées du Matrimoine 2022, afin de faire connaître les artistes qui travaillent la question d’un regard queer sur l’architecture et les espaces construits : Queering Brussels. Le titre nous renseigne d’emblée sur le positionnement de l’exposition par rapport à l’historiographie : “Queering” indique l’action de queeriser et “Brussels” délimite un espace, celui de l’espace public dans la ville, et plus spécifiquement dans une métropole européenne. Queering Brussels sous-entend qu’aucun espace n’est queer par essence mais que c’est l’action des personnes queers qui lui donne cette coloration subversive.

Ainsi, l’exposition des Halles Saint-Géry met en lumière un pan de l’histoire de l’art queer peu connu du grand public, dans une volonté d’ouvrir les imaginaires des visiteur•es. Mais la médiation de cette exposition, qui se veut être une ressource pour découvrir des approches queers de l’architecture, pose le problème de l’accessibilité pour un public peu informé.

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La tridimensionnalité chez Tarek Lakhrissi

Depuis l’avènement de la notion d’artiste plasticien·e, nous pouvons questionner la façon d’aborder la notion sculpturale dans l’art contemporain. C’est à partir de 1965, avec l’exposition When Attitudes Become Form mise en place par Harald Szeeman, que nous pouvons considérer que l’art tridimensionnel, par l’innovation dans ses formes et l’utilisation de nouveaux matériaux, trouve son origine dans l’art contemporain post-années 1950. L’artiste innove, expérimente de nouvelles façons d’utiliser les matières de base pour la sculpture, comme avec la cire ou la pierre ; ou bien, iel se détache de ces matériaux qualifiés de “nobles” et cherche des matériaux considérés comme moins nobles (comme le plastique, l’acier, le polyuréthane ou encore le carton :des matériaux dont nous n’aurions jamais imaginé l’utilisation). Mais l’art tridimensionnel n’est pas seulement une question de matières et de formes, c’est également une notion d’espace. La sculpture n’est plus construite par le sculpteur mais par l’artiste plasticien dont l’espace est le  principal matériau.

Nous avons décidé d’analyser l’œuvre et la pratique de l’artiste contemporain et actuel Tarek Lakhrissi dans le questionnement de l’art tridimensionnel.

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Tarek Lakhrissi, Sick Sad World, 2020. Installation en collaboration avec Theo Demans et performance avec bois, polystyrène, tissu, métal, mousse de polyéther, polyuthérane, pigments, plâtre acrylic. Wiels, Bruxelles. Photo de Philippe de Gobe
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